Vincent van Gogh

A Descascadora de Batatas

Esta pintura de fevereiro/março de 1885, com a sua paleta restricta de tons escuros, textura grosseira e desenho em blocos, é típica das obras que Van Gogh pintou em Nuenen, um ano antes de se mudar da Holanda para a França.

Os seus estudos de camponeses em 1885 culminaram na sua primeira pintura importante, Os Comedores de Batata (Museu Van Gogh, Amsterdão).

A Noite Estrelada

Foi criada por Van Gogh aos 37 anos, enquanto esteve num asilo em Saint-Rémy-de-Provence. A obra actualmente encontra-se na colecção permanente do Museu de Arte Moderna de Nova York.

Ao contrário de muitas outras de suas obras, A Noite Estrelada foi pintada de memória e não a partir da vista correspondente de uma paisagem, como de costume. Durante a sua estadia no asilo, van Gogh dedicou-se a pintar sobre todas as paisagens da região de Provence.

É nesse período que o artista rompe com o que se poderia chamar de fase impressionista, desenvolvendo um estilo muito particular, no qual prevalecem fortes cores primárias, tais como o amarelo, para as quais van Gogh atribuía significados seus.

Um Par de Tamancos de Couro

Van Gogh repetidamente tomou sapatos como seu tema. Ele pintou esses tamancos de couro com sola de madeira na cidade de Saint-Rémy, no sul da França. Ele estava sendo tratado por seus problemas psiquiátricos numa clínica e por um curto período relutou em sair.

Ele continuou a pintar, no entanto, assim que se sentiu bem o suficiente. Foi nessa época que ele pintou esses tamancos.

Os tamancos são mostrados de perto, numa superfície inclinada de forma pouco natural. Van Gogh já havia empregado essa maneira incomum de lidar com a perspectiva antes. O padrão meticuloso de pequenas listas também ocorre em quadros pintados dois anos antes.

Vaso com Íris

Do Metropolitan Museum of Art, Nova York, EUA:
«... Em maio de 1890, pouco antes de sair do asilo de Saint-Rémy, Van Gogh pintou quatro ramos de flores da primavera: dois de rosas e dois de íris, em formatos e esquemas de cores contrastantes.

Devido ao uso de um pigmento vermelho fugitivo, o efeito "harmonioso e suave" que ele buscava na pintura de Íris do museu foi alterado pelo desbotamento do fundo rosa para quase branco.

Outra natureza morta desta série, Rosas, está em exibição na galeria adjacente do museu. Ambos eram propriedade da mãe do artista, que os manteve até à sua morte em 1907.»

Os Comedores de Batata

Van Gogh viu "Os Comedores de Batata" como uma obra de arte, para a qual deliberadamente escolheu uma composição difícil para provar que estava a caminho de se tornar um bom pintor de figuras.

A pintura tinha que retratar a dura realidade da vida no campo, então ele deu aos camponeses rostos grosseiros e mãos ossudas e trabalhadoras. Queria mostrar dessa maneira que eles "cultivaram a terra com essas mãos que estão colocando no prato... que eles ganharam honestamente seu alimento".

Ele pintou as cinco figuras em cores terra, "algo como a cor de uma batata realmente empoeirada, sem casca, é claro". A mensagem da pintura era mais importante para Van Gogh do que a anatomia correcta ou a perfeição técnica.

Ele ficou muito satisfeito com o resultado: ainda assim, a sua pintura atraiu críticas consideráveis porque suas cores eram muito escuras e as figuras cheias de erros. Hoje em dia, os Comedores de Batata é uma das obras mais famosas de Van Gogh.

Campo de Flores perto de Arles

Van Gogh foi cativado pelas cores da paisagem ao redor da cidade de Arles. Ele especialmente gostou do contraste entre os campos de flores amarelas e roxas.

Na paisagem, ele sentiu que poderia ver um reflexo do mundo que ele conhecia da sua colecção de estampas japonesas; artistas japoneses usando grandes áreas de cor nas suas composições, muitas vezes com uma forte diagonal. Eles também ampliavam regularmente detalhes no primeiro plano.

Van Gogh adotou esses elementos nas suas pinturas. "Como um sonho japonês", ele escreveu numa carta ao seu irmão Theo. Ele também incluiu um esboço observando as principais cores; assim Theo poderia imaginar o trabalho.

Recentemente, a pintura foi examinada e restaurada. Os estudos mostraram que nem todas as cores eram o que tinha sido. Os pigmentos vermelhos em particular desvaneceram-se ao longo dos anos de exposição à luz. O restaurador descobriu isso quando viu a pintura sem moldura.

As cores que tinham sido parcialmente escondidas pela moldura, eram muito mais roxas. Como não foram expostas a tanta luz, tinham mantido a sua cor original melhor. Durante o trabalho de restauração, a antiga camada de verniz descolorido que tinha entorpecido as cores foi removido. As cores são agora muito mais brilhantes.

Girassóis

No verão de 1889, Van Gogh viveu e trabalhou em Arles, uma cidade no sul da França. Lá, ele fez uma série de pinturas de girassóis, destinadas a decorar o quarto de hóspedes que seu amigo, Paul Gauguin, ocupava naquela época.

Van Gogh pintou quatro dessas naturezas mortas, mas só duas ele considerou suficientemente boas para decorar o quarto de Gauguin. Mais tarde ele fez mais três cópias dessas obras, uma das quais é exibida no Museu Van Gogh.

Café Esplanada à Noite

Esta pintura de uma vista colorida ao ar livre é uma obra pitoresca, a visão de um espectador relaxado que desfruta do encanto do seu ambiente sem qualquer preocupação moral. Isso lembra o humor de Van Gogh quando escreveu que "a noite é mais viva e mais ricamente colorida do que o dia".

A cor é mais profusa e o olho vagueia pelas bordas íngremes ou em forma de cauda de andorinha das áreas vizinhas; formas irregulares encaixadas umas nas outras como um quebra-cabeças. Dividir este espaço por muito tempo em um objecto grande e temas de fundo é difícil para os olhos; as partes distantes e próximas são igualmente distintas.

O amarelo do café joga com o azul-negro da rua remota e o azul-violeta da porta do primeiro plano e, por um paradoxo de composição que ajuda a unificar a obra, no ponto de contraste mais forte o canto rombo do toldo mais próximo para nós toca o remoto céu azul.

Linhas escorçadas que se projetam em profundidade, como o lintel da porta, são estritamente paralelas a linhas como a inclinação do toldo amarelo e o telhado da casa acima, que se situam em planos perpendiculares ao primeiro.

Para esta visão errante e desengajada, a dimensão ascendente não é menos importante e expressiva do que a profundidade.

Campo de Trigo com Corvos

Afirma-se frequentemente que este foi o seu último trabalho. Diz-se que o céu ameaçador, os corvos e o caminho sem saída se referem ao fim da sua vida se aproximando. Mas isso é apenas um mito persistente. Aliás, fez vários outros trabalhos depois deste.

Van Gogh queria que os seus campos de trigo sob céus tempestuosos expressassem "tristeza, extrema solidão", mas ao mesmo tempo queria mostrar o que considerava "saudável e fortificante no campo".

Van Gogh usou combinações de cores poderosas nesta pintura: o céu azul contrasta com o trigo amarelo-alaranjado, enquanto o vermelho do caminho é intensificado pelas faixas verdes das ervas.

A Casa Amarela

Uma das pinturas nocturnas de Van Gogh, mostra a famosa Casa Amarela em que o pintor morou, na Praça Lamartine em Arles, França, cuja cor amarela da fachada foi escolhida pelo próprio pintor.

Uma das divisões da casa foi retratada numa das suas mais conhecidas pinturas: Quarto em Arles. Na moradia Van Gogh alugou quatro quartos em Maio, dois no térreo que lhe serviam de atelier e cozinha e no superior os outros dois com vista para a Praça Lamartine.

No entanto por falta de recursos para mobilá-la, Van Gogh só passou a ocupá-la em Setembro de 1888, quando finalmente teve recursos para isso. Seu amigo Paul Gauguin viveu e trabalhou com Vincent nesta casa de Outubro até Dezembro do mesmo ano.

A janela localizada no primeiro piso com um par de persianas abertas é onde ficava a sala de visitas da casa e onde Paul Gauguin viveu por nove semanas. Atrás da janela seguinte, com uma das persianas fechadas, é onde ficava o quarto de Van Gogh. Os dois quartos foram alugados pelo pintor pouco tempo depois.

O edifício sofreu diversas reconstruções antes de ser gravemente danificado por bombardeios em 25 de Junho de 1944. Posteriormente a casa foi demolida.

Noite Estrelada sobre o Ródano

Noite Estrelada sobre o Ródano é uma das pinturas de Arles à noite. Foi pintado na margem do Ródano, que ficava apenas a um ou dois minutos a pé da Casa Amarela na Praça Lamartine, que Van Gogh alugava na época.

O céu nocturno e os efeitos da luz à noite forneceram o tema para algumas das suas pinturas mais famosas, incluindo Café Esplanada à Noite (pintado no início do mesmo mês) e a tela de Junho de 1889 de Saint-Remy, A Noite Estrelada.

Um esboço da pintura está incluído numa carta que Van Gogh enviou ao seu amigo Eugène Boch em Outubro de 1888.

Noite Estrelada sobre o Ródano, que agora está no Museu de Orsay em Paris, foi exibido pela primeira vez em 1889 na exposição anual de Paris da Société des Artistes Indépendants.

Foi mostrado junto com as Íris de Van Gogh, que foi adicionada pelo irmão de Vincent, Theo, embora Vincent tenha proposto incluir uma das suas pinturas nos jardins públicos de Arles.

Quarto em Arles

Esta pintura retrata o quarto de Van Gogh na "Casa Amarela", o atelier que ele alugou em Arles. Esta obra se destaca pelo seu brilho, com as suas cores contrastantes, tinta aplicada espessamente e uma organização espacial estranha.

A parede do fundo do quarto parece inclinada. Isso não foi um erro do pintor, mas se baseou na realidade, esta parte da casa amarela era realmente inclinada.

Em outras partes, os objetos parecem inclinados porque a perspectiva não está correcta. Van Gogh deliberadamente pintou objetos rasos e omitiu qualquer sombra, de forma a que o trabalho se assemelhasse a uma gravura japonesa.

Quarto em Arles é uma série de três quadros, pintados entre 1888 e 1889, e uma das obras mais conhecidas do artista.

O Café Nocturno

O Café Nocturno é uma pintura a óleo criada por Van Gogh em setembro de 1888 em Arles. Seu título está inscrito no canto inferior direito abaixo da assinatura. A pintura é propriedade da Universidade de Yale e actualmente está na Galeria de Arte da mesma, em New Haven, Connecticut.

O interior retratado é o Café de la Gare, dirigido por Joseph-Michel Ginoux e sua esposa Marie, que em novembro de 1888 posou para Van Gogh e Gauguin.

A pintura retrata o interior do café, com uma porta semi-cortinada no fundo central que leva, presumívelmente, a aposentos mais privados. Cinco clientes sentam-se em mesas ao longo das paredes à esquerda e à direita, com Ginoux, o senhorio, de pé ao lado de uma mesa de bilhar perto do centro da sala, de frente para o espectador.

Os cinco clientes retratados na cena foram descritos como "três bêbados numa grande sala pública [...] amontoados em sono ou entorpecidos". Um estudioso escreveu: "O café era um refúgio nocturno de prostitutas e pobres locais, que são retratados desleixados nas mesas e bebendo juntos no extremo da sala".

Em cores vivas e extremamente contrastantes, o tecto é verde, as paredes superiores vermelhas, as lâmpadas de tecto a gás brilhantes e o piso em grande parte amarelo. A tinta é aplicada de forma espessa, com muitas das linhas da sala levando em direcção à porta, ao fundo. A perspectiva parece um pouco para baixo em direcção ao chão.

Campo de Trigo com Ciprestes

Embora inquieta além da medida, com poucas linhas rectas, esta paisagem é uma das mais clássicas em concepção entre as obras de Van Gogh. É construída em grandes bandas que percorrem todo o espaço.

Os altos ciprestes escuros de um lado oferecem um forte contraste com as horizontais predominantes, às quais se assemelham em forma. As oposições de quente e frio, a proporção das partes, a altura relativa do céu e da terra nos dois lados, os intervalos horizontais que podemos medir na silhueta da montanha distante, duas vezes quebrada por árvores, tudo isso é perfeitamente legível e bem equilibrado.

É uma paisagem em que as percepções da natureza do pintor e sua intensidade de sentimento são igualmente pronunciadas. O brilhante campo de trigo, as oliveiras de um cinza subtil em que todas as cores do quadro parecem se misturar, o desgrenhado e vacilante cipreste, e as montanhas turbulentas foram maravilhosamente observadas, e a luz que preenche este espaço tem uma realidade vívida para os nossos olhos.

O brilho que emana do céu frio e da terra quente é percebido tanto através das cores locais quanto através do jogo de luz e sombra. Van Gogh é livre com o último, e difícilmente visa consistência neste ponto.

A dualidade do céu e da terra permanece; a primeira leve, suave, arredondada, cheia de fantasia e sugestões de formas animais, a terra mais firme, mais dura, de cor mais intensa, com contrastes mais fortes, de partes mais distintas, talvez masculinas.

Ou pode-se interpretar a dualidade como o real e o vagamente desejado e imaginado. Conectando-os está a única vertical, os ciprestes, como em "A Noite Estrelada", da qual esta pintura é de outras maneiras a contraparte diurna.

Sapatos

Van Gogh pintou várias naturezas-mortas de sapatos ou botas durante o seu período em Paris.

Este quadro, pintado mais tarde, em Arles, evidencia um retorno único ao motivo anterior. No entanto, aqui Van Gogh colocou os sapatos dentro de um contexto espacial específico: a saber, o piso de ladrilhos vermelhos da Casa Amarela.

Não só podemos identificar o cenário, mas talvez também o dono dos sapatos. Tem sido sugerido que esta "natureza morta de sapatos de velhos camponeses" pode ter sido de Patience Escalier, cujo retrato Van Gogh executou na mesma época, no final do Verão de 1888.

Retrato de Patience Escalier